Дата: Воскресенье, 18.12.2011, 10:44 | Сообщение # 61
Конченый Капучинщик
Группа: Хозяйка Чашки
Сообщений: 11946
Статус: Отсутствует
Еще в ноябре узнала, что в Пушкинстком музее столицы в период с 26 ноября 2011 по 19 февраля 2012 пройходит выставка работ великого итальянского художника Микеланджело Меризи де Караваджо (1571-1610).
В Москве работы этого художника еще ни разу не выставлялись. Впервые такая масштабная выставка Караваджо проходит за пределами Италии – представлено 11 полотен. Работ этого мастера сохранилось немного, нигде в мире нет музея Караваджо, его картины - в разных галереях, в церквях, они почти никогда не выезжают на гастроли. Караваджо работал на рубеже XVI-XVII веков, когда формировалась новая европейская культура.
Поскольку у меня и многих других любителей живописи нет возможности съездить на выставку, то я решила узнать, что за полотна представлены, чтобы посмотреть на них хотя бы в инете.
«Юноша с корзиной фруктов», 1593, (Рим, Галерея Боргезе).
Лейтмотивом произведения стала тема радости жизни и наслаждения великолепием материальной природы всего сущего, словно заново открытой художником: человеческой плотью и прекрасными плодами земли в окружающей их реальной световой и воздушной среде. Осязаемость фигуры и точность живописной передачи фруктов на переднем плане лишь подчеркивают утонченность созданного мастером образа.
«Обращение Савла» (Церковь Санта Мария дель Пополо, Рим)
Картина передает духовное прозрение человека и не случайно главным выразительным средством здесь становится свет, к которому простирает руки поверженный на землю Савл, будущий апостол Павел.
«Иоанн Креститель» (Капитолийские музеи, Рим)
На холсте изображен счастливый юноша, подобный древнему божеству, не ведающий стыда, переполненный радостью бытия, который обнимает овна: он не скрывает своей наготы и обращается с сияющей, заразительной улыбкой к зрителю, словно призывая его шагнуть в пространство картины. . Присутствие в композиции изображения овна в течение какого-то времени мешало узнать в ее герое Иоанна Крестителя. Креститель обнимает овна – традиционное жертвенное животное, поскольку главная тема картины –образ Жертвы Христовой и Искупления. Иоанн, согласно словам самого Христа, «был светильник, горящий и светящий; а вы хотели малое время порадоваться при свете его» (Евангелие от Иоанна, 5, 35). К этой евангельской фразе отсылает изображение коровяка (verbascum), из которого в то время изготавливали фитили; это растение традиционно связывалось с Крестителем. Предназначенное для частного дворца, полотно из собрания Капитолийских музеев не является иллюстрацией библейского сюжета или изображением, служащим потребностям культа. Это глубокое обобщение размышлений художника о личности Христа, воскрешенного в памяти посредством его ближайшего предшественника – Иоанна Крестителя.
«Иоанн Креститель в пустыне» (Национальная галерея в Палаццо Корсини, Рим)
Поэтическая сила полотна сосредоточена в подвижных тенях, окружающих фигуру, которая мягко выступает из фона. Лицо нахмуренного «мальчугана с окраины», которого Караваджо представляет в образе Крестителя, погружено в тень, глаза скрыты падающими непокорными волосами. Мы не видим, а лишь ощущаем его взгляд, он словно прячется, скрывая мучительную, задумчивую печаль – печаль Предтечи, размышляющего в ожидании воплощенного Слова.
«Христос в Эммаусе» (Пинакотека Брера, Милан)
Местечко Эммаус упоминается в Евангелии от Луки (XXIV, 13-15); в рассказе о том, как два ученика Христа, шедшие в это местечко, случайно встретились с таинственным странником, который оказался воскресшим Христом. В своей картине Иисуса Христа Караваджо изобразил в момент благословения еды и раскрытия этим двум ученикам истинной идентичности распятого и воскресшего учителя. Изображение Иисуса Христа, представленное художником, довольно необычно, он написан Караваджо безбородым, кроме того большой акцент придан живописцем натюрморту на столе. Интенсивность эмоций учеников Христа передана Караваджо в картине их жестами и выражением лиц.
«Молитва Св. Франциска» (Национальная Галерея в Палаццо Барберини, Рим)
Если Иоанн Креститель - это юность, то св. Франциск - это зрелость. Оба образа знают, что они умрут. Иоанн-то еще слишком молод, за него знает Караваджо, но Франциск вглядывается в череп, как Гамлет в Йорика. Поразительно, но пьеса Шекспира была написана примерно в то же время, что это полотно.
продолжаю знакомить с картинами Караваджо, находящимися на московской выставке:
«Положение во гроб» (Музеи Ватикана, Ватикан)
Картина поражает правдивостью в передаче чувств и мощным драматическим накалом. Свет вырывает персонажи из неясного мрака, выявляет их черты и чувства: состарившуюся мать Христа, обращенную грешницу Марию Магдалину, Марию Клеопову, «любимого ученика» Иоанна и Никодима. Группа фигур, образует своего рода скульптурную композицию, а зритель оказывается участником сцены благодаря углу зрения (снизу, от камня) и взгляду Никодима. Распределение света в картине строго продумано, благодаря чему Караваджо удается направлять взгляд зрителя. Картина соединяет элементы и персонажи из двух сюжетов - «Положения во гроб» и «Оплакивания». Караваджо добавляет элемент, несущий в композиции большую эмоциональную нагрузку, – колоссальную каменную плиту, на которой стоят герои. Это камень, закрывающий вход в погребальную пещеру, и, одновременно, ‑ камень помазания, на который было положено тело Спасителя для умащения благовониями и пеленания, куда падали слезы Матери и капли крови Сына. Плита прямо отсылает к Христу как краеугольному камню, объединяющему Ветхий и Новый заветы, ‑ камню, на котором основана Церковь, понимаемая как «тело Христово» и символически представленная здесь телом Спасителя.
«Поклонение пастухов» (Региональный музей Мессины, Мессина, Сицилия)
Полотно наполнено нежностью чувства и одновременно глубокой безысходностью. Здесь совершенно неканоническим для своего времени является само положение Богоматери. Однако в нем усматривают перекличку с византийскими иконами на сюжет Рождества.
«Бичевание Христа», около 1607, (Музей Каподимонте, Неаполь)
В какой-то момент Караваджо по обвинению в убийстве попал в тюрьму, где его избивали - и, вероятно, ему было очень больно. Считается, что на сдержанном, темном и страшном «Бичевании Христа» он выразил собственные мучения. Это главная картина в неапольском Каподимонте: музей с его прекрасным собранием представляет собой прямой длинный коридор, в конце которого - это полотно; его видишь сразу, но приближаешься постепенно.
Амур уснул, уснуло все вокруг: лук и стрелы Купидона отложены, человечество может не волноваться. Наступил покой. Или - как посмотреть - человечеству и жить больше незачем, когда дрыхнет, опустив крылышки, жирное дитя. Амур на картине не такой, каким его обычно изображают. Это не пышный красавец, а какой-то рыхлый, нескладный мальчик. Он спит на своих крыльях. Весь задний план темный, и лишь некоторые участки тела Амура освещены ярче обычного. Мы видим, что художник создавал эту картину с сарказмом. Это, наверное, потому, что она была написана на заказ для рыцаря, который дал обет безбрачия. В эти годы Караваджо рисовал особо жестко. С черной сатирой. Но, не смотря на всю ирония, картина приятна для глаза. Ведь мы видим всего лишь спящего ребенка, пусть и Амура.
«Мученичество св. Урсулы» (Коллекция Банка Интеза Санпаоло, Неаполь)
Последнее произведение великого мастера. Полотно отличает присущая художнику оригинальность трактовки религиозной темы, в которой нашли отражение события собственной жизни и личных переживаний художника. Полотно повествует о мученической смерти одиннадцати дев во времена гонений на христиан при императоре Диоклетиане около 304 года н.э. На картине представлен момент, когда облаченный в доспехи предводитель гуннов только что выпустил стрелу из своего монгольского лука, подчеркивающего его восточное происхождение. Одинокая, бледная девушка со склоненной головой, с руками, прижатыми к ране, испускает дыхание. На первый план выходит трагическое осознание неразрывной связи, существующей между победителями и побежденными, палачами и их жертвами, которых объединяет страдание и безнадежность будущего. Колорит и беспорядочность светотени усиливают драматизм происходящего, подчеркивают одиночество человека, осознание неотвратимости смерти.
Конечно, фотоизображения не передают чистоту красок и изящество мазков, меняют оттенки и размывают тени. Картины талантливого художника лучше смотреть натуральными. Я разместила здесь работы Караваджо для ознакомительных целей и расширения кругозора, не более...
Дата: Воскресенье, 26.02.2012, 16:21 | Сообщение # 63
Конченый Капучинщик
Группа: Проверенные
Сообщений: 3164
Статус: Отсутствует
Развитие советского изобразительного искусства в 1940 - 1980 годы нельзя представить без яркой, самобытной, темпераментной живописи Татьяны Яблонской, народного художника СССР и Украинской ССР, действительного члена Академии художеств СССР, трижды лауреата Государственной премии СССР.
Главной особенностью ее творчества был вечный поиск новых путей в искусстве, отражающий духовно-нравственные веяния в обществе, которые она всегда тонко воспринимала. Говорила: «Я никогда не была первой, но действительно умела чувствовать то, что намечалось в искусстве, куда все идет...». И она смело, решительно, круто меняла манеру письма, стилистику, цветовую палитру, образное понимание - словом, все то, что было достигнуто и что могло бы стать постоянным достижением в ее творчестве. Но она бесповоротно от этого отказывалась и устремлялась в поиск иных, казалось бы, безграничных, но далеко не бесспорных для того времени истин. В этом и заключался «феномен» Татьяны Яблонской. И хотя это создавало серьезные проблемы в жизни художницы, она упрямо шла своим путем и в конце концов оказывалась права.
Татьяна Ниловна Яблонская начала свою карьеру в 1949 году большим полотном «Хлеб», которое сделало ее знаменитой.
Полная радости, молодого задора и трудового энтузиазма картина недавней выпускницы Киевского художественного института поразила всех великолепным профессиональным исполнением, умением строить сложные композиции, легко и свободно владеть кистью, что было под силу лишь опытным, признанным мастерам.
После «Хлеба» Татьяна Яблонская уже в ряду ведущих живописцев становится звездой почти каждой значительной всесоюзной выставки, и новые ее картины не обманывают ожидания общественности. И вдруг в 1969 году появляются ее «Безымянные высоты», которые многих повергли в недоумение.
Новым неожиданным поворотом в творчестве художницы стала картина «Вечер. Старая Флоренция», созданная в 1973 году. Снова страстные споры и противоположные суждения. Снова заговорили о «феномене» Татьяны Яблонской. Это произведение - своеобразная исповедь художницы, которая обращается к вечным идеалам в искусстве, к шедеврам великих мастеров Высокого Возрождения и импрессионизма. Но она очень современна, ибо говорит об истинном предназначении художника и о том суетном, что окружает его в жизни.
Интересна также и история дочери Т. Яблонской Елены, изображенной на картине «Утро». Кто же не помнит эту картину из учебника??
"Утро" мистическим образом вмешалось в судьбу Елены, которая мечтала стать художником и отправилась учиться живописи в Москву, в Строгановку. Когда выяснилось, что именно Лена изображена на знаменитой картине, один из студентов признался, что репродукция "Утра" много лет висит у него в комнате как образец настоящего изобразительного мастерства и что именно благодаря ей он решил стать художником. Это удивительное совпадение послужило началом отношений, увенчавшихся законным браком, и в результате Елена смогла лично убедиться, что в далеком городе на родине избранника, в его комнате, действительно висит репродукция работы ее матери, на которой изображена она сама.
Татьяна Ниловна работала до последнего дня. После инсульта в 1999 году она была прикована к инвалидному креслу, правая рука была парализована. Она перестала писать маслом, но продолжала рисовать пастелью, которую приходилось держать в левой руке. В последние годы жизни Татьяна Ниловна писала в основном натюрморты и пейзажи за окном ее квартиры. Напрашивается параллель со знаменитым импрессионистом О. Ренуаром, который в конце жизни почти не мог держать кисть из-за ревматизма, но продолжал писать. Последней его работой стал натюрморт с букетом анемонов, собранных в его саду.
Дата: Воскресенье, 26.02.2012, 16:42 | Сообщение # 64
Конченый Капучинщик
Группа: Проверенные
Сообщений: 3164
Статус: Отсутствует
(окончание )
В последние годы жизни Татьяна Ниловна писала в основном натюрморты и пейзажи за окном ее квартиры: после перенесенных инфаркта и инсульта она перестала выходить на улицу, перестала писать маслом, зато пастель научилась держать в левой руке вместо парализованной правой.
Ее физические силы угасали, но картины становились еще более просветленными, радостными и гармоничными. Она не сопротивлялась угасанию, она день за днем рисовала то, что видела – городских птиц на подоконнике, посуду, цветы в вазе
"Я счастлива в своем ограниченном пространстве" - говорила она, и пространство все сжималось вокруг нее, но ее это совершенно не заботило; ее занимало кухонное окно – бесчисленное количество сочетаний освещения, погоды, угла зрения и стоящих на подоконнике предметов.
Лауреат трех Государственных премий, народный художник СССР, была совершенно счастлива здесь, на кухне, в окружении родных, она день за днем проводила в инвалидном кресле, растирая пальцами пастель и всматриваясь в оконное стекло. В самый день смерти она с удовольствием нарисовала яркий, жизнерадостный букет летних колокольчиков.
В 2012 году картине «Армянское село» Яблонской (находтся в картинной галерее г.Горловка) исполняется 55 лет.
С работами известной украинской художницы можно познакомиться в
Государственная Третьяковская галерея (Москва) Государственный Русский музей (Санкт-Петербург) Музей Дракона (Тайвань) Национальный художественный музей Украины Киевский музей русского искусства Запорожский художественный музей Харьковский художественный музей Полтавский художественный музей Красноярский государственный художественный музей им. В.И. Сурикова Львовская картинная галерея, другие музеи.
Дата: Понедельник, 27.02.2012, 15:14 | Сообщение # 66
Конченый Капучинщик
Группа: Проверенные
Сообщений: 3164
Статус: Отсутствует
Quote (Ада-Ангел)
последние работы Татьяны Яблонской понравились больше. Столько в них света!..
вот и я про это..вообще пастель интересна...я еще акварель найду у одного интересного персонажа, может чуток удивлю тебя, Люба))) Кто мудр, испытывать не станет ни женщин, друг мой, ни стекла.(с)
В искусстве он не признает деления на жанры. Ведь комедия – это всегда драма, а драма может закончиться комедией.
Георгий Делиев мечтал быть художником, учился на архитектора, а стал актером. Однако, говорит, кисти не оставлял никогда. Здесь и масло, акварель, пастель, акрил. Его картины, как и сам Делиев, ироничные и серьезные, в то же время легкие и по-философски взвешенные.
Он обожает архитектуру, отсюда такие серьезные виды Рима, Венеции
С энтузиазмом-сарказмом пишет свой автопортрет
И одесские зарисовки, и отдельный цикл о ангелоподобных.
Художественный талант Делиева, как говорят в Одессе, широко известный в узких кругах. Его картины раскупают с большим ажиотажем. А он любит наблюдать за реакциями людей. Рассмешить, рассказывает Делиев, его могут клоун-философ, и люди с серьезными лицами.
Здесь те картины, что меня зацепили больше всего
"Летящий в деревню Су- клоун с арбузом, чтоб подарить его преподобному Суо Ли Бо" Пастель
"Дуэль"
"Спящая, птица и рыба"
Спящая кошка
"Мальчик с птицей"
Я кажется, начинаю понимать, отчего Г. Делиев стал "своим" актером у Киры Муратовой. 20 января в Одессе завершились съемки нового фильма Киры Муратовой «Кинопробы. Однокурсники», в котором снялись Георгий Делиев и Наталья Бузько. А 22 января 2012 года скоропостижно скончалась от инсульта его жена и верная спутница Лариса Делиева, которая в прошлом году отпраздновала свой пятидесятилетний юбилей. Они были женаты с 1979 года и сравнительно недавно обвенчались в церкви......бедный клоун((((
Владимир Семенович Любаров (4 сентября 1944 года, Москва) — российский художник и график. Член Союза художников России с 1985 года.
Окончил Московскую среднюю художественную школу при институте им. Сурикова. В 1963 году поступил в Московский полиграфический институт на факультет художественного оформления печатной продукции.
C 1969 по 1990 годы работал книжным графиком. Работая графиком проиллюстрировал и оформил более 100 книг. В 1991 году решил изменить свою жизнь, уехал из Москвы в деревню Перемилово Владимирской области, где занялся станковой графикой, а затем и живописью.
В 1993 году британское издательство Appletree Press выпустило книгу «Russian Proverbs» («Русские пословицы») Криса Скиллена, иллюстрации к которой были заказаны Любарову.
Картины Любарова, которые сам он называет «картинками», подразделяются на серии. Основной серией Любарова является «Деревня Перемилово», её первый цикл был закончен в 1995 году и включает в себя около 300 работ.
Его произведения неоднократно выставлялись в России и Европе, в том числе на персональных выставках в ЦДХ, Третьяковской галерее и других выставочных площадках. Картины художника хранятся во многих музеях России и других стран, среди них Третьяковская галерея, Русский музей, Литературный музей и музей истории Санкт-Петербурга.
Картины Любарова не похожи ни на чьи другие. Чувствуется рука графика. Но зацепили меня они какой-то детскостью, наивностью, своим позитивом. Их хочется разглядывать долго, при этом широко улыбаясь!
Quote
Работы Любарова для меня - феномен необъясненности. Попытка копировать его манеру, такую, казалось бы, незамысловатую, бессмысленна - сразу скатитесь либо к коврику с лебедями, либо к карикатуре. Каждая его картина - маленькая сказка, грустная и ироничная, с началом и концом. Любаров не рисует своих персонажей - он рассказывает их. Его сюжеты - вроде бы из нашей сегодняшней жизни, а манера - вне времени, такое могло быть написано и сейчас, и сто лет назад. И при этом - фантастически современно. И - необыкновенно узнаваемо.
К его картинам возвращаешься, как к любимой книге. По-моему, Любаров - очень хороший человек. Этим хоть что-то можно объяснить. К тому же к плохим Ангелы не прилетают. Я очень хочу, чтобы Ангел никогда Любарова не оставил.
«Венера с зеркалом» — единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса. До 1813 года картина хранилась в частных коллекциях в Испании, потом была перевезена в Йоркшир.
Картина «Венера с зеркалом» была написана Диего Веласкесом около 1647-51 г. На ней изображено удивительно красивое и грациозное тело молодой женщины. Существует легенда, будто бы эта картина прославилась тем, что ее владельцы разорялись, как только они приобретали это полотно.
Якобы первым ее владельцем был мадридский купец. После покупки вожделенной красавицы он очень быстро разорился: суда с его товарами захватили пираты. Тогда он быстренько распродал остатки своего имущества, чтобы расплатиться с долгами.
Картина перекочевала к новому владельцу, который тоже занимался торговым бизнесом. Не успел он вдосталь насладиться новым приобретением, как в его склад с товаром ударила молния, и он потерял все в одночасье. Картина была выставлена на аукцион, где ее купил богатый ростовщик. Через неделю в его дом залезли воры, хозяина убили и удалились, прихватив сундучок с золотом. Наследники убитого никак не могли продать картину, о которой уже шла дурная слава. В конце концов, они подарили ее музею.
После долгих скитаний по свету картина попала в Англию, где была приобретена Лондонской Национальной Галереей. В 1914 году с ней случилось несчастье.
Картина была порезана суфражисткой Мэри Ричардсон, но полностью реставрирована и возвращена в галерею, где находится и по сей день.
Многие полотна имеют дурную славу. Почему-то так получилось, что на протяжении веков люди связывали произошедшие несчастья с какими-то определенными картинами. Это стечение обстоятельств, или кто-то, действительно, «напустил порчу» на ту или иную картину? Остается также загадкой, почему некоторые натурщики заканчивали свой земной путь сразу после того, как их портреты был закончены. Есть над чем поразмышлять... Let Me Tell Yuo
«Портрет Струйской» — один из самых удивительных в истории русской живописи, один из самых реалистичных, и в то же время один из самых загадочных портретов.
Уже много веков исследователи пытаются разгадать «полуулыбку, полуплач» этой русской Джоконды, и каждый неизменно видит в ней что-то свое — то затаенное страдание, то нежность, то удивление. Кажется, эта поразительная женщина меняет выражение лица при встрече с каждым новым зрителем.
Александра Петровна Струйская, о портрете которой идет речь в замечательном стихотворении Николая Заболоцкого, была второй женой пензенского помещика Николая Струйского (друга и почитателя Рокотова), господина весьма странного.Страстный графоман, он сочинял стихи, над которыми потешались все, кому доводилось их слышать. Самого же автора это ничуть не смущало. чтобы публиковать свои творения, он даже организовал у себя в имении типографию, которая стала едва ли не лучшей в России. И в то же время сохранились свидетельства о необычайной жестокости просвещенного помещика, проводившего над своими крепостными судебные следствия с применением самых изощренных пыток и даже построившего в своих владениях тюрьму, где заключенных содержали в кандалах.
В отношении его к жене заметна такая же двойственность. С одной стороны, известно множество стихов, ей посвященных: «Почтить твои красы, как смертный, я немею. Теряюсь я в тебе… Тобой я пламенею». Казалось бы, такие строки мог написать только страстно влюбленный человек, но есть и другие свидетельства — что на супругу он особого внимания не обращал, что обращался с ней порой как с крепостной девкой, и даже как-то проиграл ее в карты соседу-помещику.
Кто знает, как все было на самом деле? Жила ли Александра Петровна в атмосфере красоты и покоя, окруженная заботой и вниманием, или же мучилась под властью супруга-тирана — этого нам узнать не дано. Известно только, что, хорошо или плохо, прожила она с мужем 24 года до внезапной его смерти, родила за это время восемнадцать детей — но выжили из них только две пары близнецов, остальные умерли в младенчестве. Мужа своего Александра Петровна пережила на 44 года, вырастила детей и многих внуков. Современники, даже те, кто Николая Струйского недолюбливал, отзывались о ней с неизменной симпатией и уважением, отмечая ее очарование, ум, доброту, любезные манеры и верность друзьям.
Но всё это еще впереди. А пока юная девушка, глядящая на нас с портрета, ничего не знает о своем будущем. Ей всего 18 лет, она только что вышла замуж… Сохранилась легенда о любви Рокотова к Александре Петровне. Что ж, даже если художник и не был влюблен в свою модель, то совершенно явно относился к ней не так, как к обычной заказчице, иначе созданный им образ не получился бы столь пленительным и чарующим.
На самом деле ее звали Мари Жозефа Роз Таше де ла Пажери, или коротко - Роз. Она оставалась Роз 32 года - до того достославного дня, когда охмелевший от страсти молодой генерал Бонапарт написал ей: "Сейчас семь часов утра, сладкая, несравненная Жозефина. Я проснулся, полный воспоминаниями о тебе и нашей опьяняющей ночи…". Так она приобрела имя, под которым вошла в историю. Природа щедро одарила ее уникальным голосом, дивными мелодиями которого она очаровывает всех. Современники говорили, что даже слуги, проходя мимо комнаты Жозефины, останавливались, чтобы насладиться "переливами серебряного колокольчика" ее речи. Благодаря Жозефине в моду входит мягкая манера говорить, произнося твердые звуки словно под сурдинку.
"Наша совместная судьба слишком необыкновенна, и ее может решать только Провидение. Я слишком боюсь навлечь на нас обоих злой рок, если по своему желанию отделю свою жизнь от твоей", - рыдая, промолвила она. Но ничего уже нельзя было изменить. Когда Жозефина навсегда покинула Тюильри, Наполеон впервые в жизни(!) целых три дня не мог привычно заниматься делами. Приняв решение порвать брачные узы с Жозефиной, Наполеон писал: "Я требую, чтобы она пожизненно сохранила титул и звание коронованной императрицы, а главное, чтобы она, самый дорогой мой человек, никогда не сомневалась в моем к ней чувстве". Несмотря на развод, Жозефине до самой смерти воздавались императорские почести. После развода она поселилась в своём любимом дворце Мальмезон в окрестностях Парижа. Жозефина тяжело переживала участь, постигшую Наполеона. Чем больше несчастий выпадало на его долю, тем больше разгорался пламень любви в ее истерзанной душе. В 1814 году российский император вошел победителем в Париж. Он нанес бывшей императрице визит в ее загородной резиденции Мальмезон и был очарован ею. Гуляя с Александром I по парку, Жозефина простудилась и через несколько дней скончалась. Её последними словами были:"Эльба!Наполеон!" В жизни Наполеона было множество женщин, но лишь только Жозефину он называл "несравненной". Жозефина так и осталась для Наполеона единственной, к ней в горячечном предсмертном бреду обращается одинокий узник острова Святой Елены. Из мемуаров: "Император не видел в своей супруге никаких недостатков. Она для него не старилась и не менялась и, если бы Жозефина смогла подарить супругу наследника его славы и власти - он никогда не смог бы ее оставить. В своих мечтах он так с ней и не расстался".
*Как обращались с корсиканским выскочкой шикарные парижанки? Ехидно лорнировали неухоженного недомерка в стоптанных сапогах:
— Вы к нам из бивуака, генерал?
А эта стройная креолка, затканная с ног до головы фиалками, окруженная знаменитостями, не оттолкнула неотесанного ратника, а помахала с пуфика рукой. Корсар капитулировал. На свадьбу он подарил ей дешевый серебряный медальон. Ни на что другое не хватило денег: в брачном контракте заявлено, что будущий супруг «не имеет никакой недвижимости, а также никакой движимости, кроме гардероба и военного снаряжения».
—Замуж за плащ и шпагу, — громко проворчал нотариус. — Мадам, наверное, не в себе.
Жених это услышал. Невеста тут же в подтверждение диагноза скосила оба глаза к кончику носа... и — расписалась в контракте. Наполеон этого не забыл. И как можно аккуратнее возложил корону на непутевую голову своей любви.
Раз уж в соседней теме "Современное изобразительное искусство" зашел разговор о стоимости и популярности картин...
Топ-10: самые дорогие картины
Судьбы великих художников часто бывали нелегкими: отсутствие денег, отсутствие признания и лишь всепоглощающая любовь к своей работе. Когда-то мастера живописи тратили последние деньги не на еду, а на краски или холсты. Теперь же коллекционеры не жалеют миллионов, лишь бы заполучить их картины. Перед вами десятка самых дорогих полотен в истории живописи.
1. «No. 5, 1948», Пол Джексон Поллок, $140 млн
Мир живописи знает Поллока как изобретателя нового стиля, который автор назвал «льющаяся техника». Его сущность заключается в рисовании на холстах путем разбрызгивания краски, кисточка не прикасается к полотну. Картина, написанная в 1948 году в этой уникальной технике, была продана в 2006 году на аукционе Сотбис и с тех пор остается самой дорогой.
2. «Женщина III», Виллем де Кунинг, $137.5 млн
Виллем де Кунинг был другом Пола Поллока, и в нашем списке они также разместились рядом. Данная работа является частью серии, посвященной женщинам, и созданной между 1951 и 1953 годами.
3. «Портрет Адели Блох-Бауэр I», Густав Климт, $135 млн
Картина представляет собой одно из самых известен полотен Климта, ее называют также «Золотая Адель» и «Австрийская Мона Лиза». Работа создана в 1908 по заказу мужа Адели Фердинанда Блоха. В 1903 г. во время поездки по Италии художника вдохновили богато украшенные золотом церковные мозаики в Равенне и Венеции, древний язык которых он перенёс в современные формы изобразительного искусства. Он экспериментировал с различными техниками живописи для того, чтобы придать поверхности своих работ новый облик. В дополнение к масляной живописи он использовал технику рельефа и позолоту.
4. «Мальчик с трубкой», Пабло Пикассо, $104.1 млн
Картина относится к раннему, так называемому «розовому» периоду творчества Пикассо (1905 год) и изображает парижского мальчика с трубкой в руке и венком из цветов на голове.
5. «Дора Маар с кошкой», Пабло Пикассо, $95.2 млн
Дора Маар – французская художница и фотограф, бывшая подругой, моделью и музой Пикассо в течение 9 лет. Картина написана в 1941 году.
Честно говоря, я и миллиона рублей никогда не накопила, поэтому даже не представляю и не понимаю, за что предлагают такие деньги.... Пусть даже это и шедевры живописи (хотя для меня и это сомнительно).
6. «Портрет Адели Блох-Бауэр II», Густав Климт, $87.9 млн
Адель Блох-Бауэр – единственная модель Климта, которую он изобразил на своих картинах дважды. Оба произведения вошли в десятку самых дорогих картин мира.
8. «Портрет доктора Гаше», Винсент ван Гог, $82.5 млн
Портрет написан художником в последние месяцы его жизни и посвящен одному из самых близких людей Ван Гога – его психиатру.
9. «Пруд с кувшинками», Клод Моне, $80.5 млн
Картина входит в так называемую водную серию автора. Первоначальная ее цена на аукционе Christie’s в 2008 году составляла $35 – $47 млн, тем неожиданнее был конечный результат торгов.
10. «Фальстарт», Джаспер Джонс, $80 млн
Единственная картина из этого списка, принадлежащая кисти современного художника. Дата создания – 1959 год.
Насколько я поняла, стоимость картины не зависит от таланта художника и качества работы, а прямо пропорциональна вкусам современных миллионеров и толщине их кошелька. Придурь бывает разная!
